Aunque no hay una definición universal del arte visual, la mayoría de las personas están de acuerdo en que el arte es la creación consciente de algo bello o significativo utilizando habilidad e imaginación. Los artistas avanzaron significativamente en los estilos de pintura a finales del siglo XIX y XX. Una parte del placer de pintar en el siglo XXI es la amplia gama de formas de expresión que tenemos a nuestro alcance. Por otro lado los términos estilo, escuela y movimiento son innumerables en el arte. Sin embargo, ¿cuál es la distinción que los distingue? Con frecuencia parece que cada escritor o historiador de arte tiene una definición diferente, o que los términos pueden usarse indistintamente, aunque, en realidad, hay diferencias sutiles en cómo se utilizan. Analicemos todo esto a acontinuación.
La definición y el valor percibido de las obras de arte han cambiado a lo largo del tiempo y en diferentes culturas. Es probable que el cuadro de Jean Basquiat, que se vendió por 110,5 millones de dólares en la subasta de Sotheby's en mayo de 2017, haya tenido dificultades para encontrar audiencia en la Italia del Renacimiento. Desarrollamos esto en El Arte: Definición, Estilos, Escuelas y Movimientos.
Etimología
El término "arte" proviene de la palabra latina "ars", que significa "arte", "habilidad" o "oficio". La primera utilización conocida de la palabra se encuentra en manuscritos del siglo XIII. Sin embargo, es probable que la palabra "arte" y sus variedades (artem, eart, etc.) existan desde la fundación de Roma.
Filosofía del Arte
Los filósofos han discutido la definición del arte durante siglos. En la filosofía de la estética, la pregunta más fundamental es: "¿Cómo definimos el arte?" Esto implica dos subtextos: la naturaleza fundamental del arte y su relevancia social. La representación, la expresión y la forma son las tres categorías más comunes que se utilizan para definir el arte.
El arte como símbolo o mímesis
Platon definió el arte como "mímesis", que en griego significa copia o imitación, por primera vez. Por esta razón, durante siglos, el significado principal del arte se definió como la representación o reproducción de algo que es hermoso o significativo. Hasta finales del siglo XVIII, la valoración de una obra de arte se basaba en la fidelidad con la que representaba su tema.
La definición de "buen arte" ha tenido un gran impacto en los artistas modernos y contemporáneos, según Gordon Graham: "Lleva a la gente an otorgar un gran valor a retratos muy realistas como los de los grandes maestros (Miguel Ángel, Rubens, Velásquez, etc.) y a plantear preguntas sobre el valor del arte'moderno': las distorsiones cubistas de Picasso, las figuras surrealistas de Jan Miró, los abstractos de Kandinsky o Aunque el arte representacional sigue existiendo en la actualidad, ya no es la única forma de evaluar el valor.
El arte como muestra de emociones
Durante el movimiento romántico, la expresión ganó importancia y las obras de arte expresaban sentimientos específicos, como lo sublime o lo dramático. Dado que la obra de arte tenía como objetivo provocar una respuesta emocional, la respuesta del público era crucial. Esta definición sigue siendo válida en la actualidad porque los artistas buscan interactuar con sus espectadores y provocar reacciones de ellos.
El arte como forma
Uno de los teóricos más influyentes de finales del siglo XVIII fue Immanuel Kant (1724-1804). Debido a que el contenido de una obra de arte no tiene interés estético, creía que el arte no debería tener un concepto sino solo ser juzgado por sus cualidades formales. Cuando el arte se volvió más abstracto en el siglo XX, las cualidades formales se volvieron particularmente importantes. Los principios del arte y el diseño (equilibrio, ritmo, armonía y unidad) se utilizaron para definir y evaluar el arte.
Actualmente, se utilizan los tres modos de definición para determinar qué es arte y su valor, dependiendo de la obra de arte que se evalúe.
La historia de las definición del arte
"No podemos evitar ver las obras de arte en el contexto del tiempo y las circunstancias, ya sean pasadas o presentes", dijo HW Janson, autor del libro de texto de arte clásico La Historia del Arte. Mientras el arte sigue creándose a nuestro alrededor, abriéndonos los ojos a nuevas experiencias casi todos los días y obligándonos an ajustar nuestra mirada, ¿cómo podría ser de otra manera?
La definición de arte en la cultura occidental a lo largo de los siglos, desde el siglo XI hasta finales del siglo XVII, era cualquier cosa hecha con habilidad como resultado del conocimiento y la práctica. Esto significaba que los artistas mejoraron en su trabajo y aprendieron a reproducir con habilidad sus temas. El epítome de esto ocurrió durante la Edad de Oro holandesa, cuando los artistas podían pintar en todo tipo de géneros diferentes y ganarse la vida con su arte en el sólido clima económico y cultural de los Países Bajos del siglo XVII.
Como respuesta a la Ilustración y su énfasis en la ciencia, la evidencia empírica y el pensamiento racional, el arte comenzó a describirse no solo como algo hecho con habilidad, sino también como algo creado en el siglo XVIII. buscando la belleza y expresando los sentimientos del artista. La espiritualidad y la libre expresión fueron elogiadas junto con la naturaleza. Los propios artistas se hicieron famosos y frecuentemente recibieron invitaciones de la aristocracia.
El realismo de Gustave Courbet marcó el comienzo del movimiento artístico de vanguardia en la década de 1850. Le siguieron otros movimientos de arte modernos, como el cubismo, el futurismo y el surrealismo, en los que el artista traspasó los límites de las ideas y la creatividad. Estos representaron métodos de creación de arte innovadores, y la definición de arte se amplió para incluir la idea de la originalidad de la visión.
El concepto de originalidad en el arte sigue siendo fundamental, lo que ha dado lugar an una variedad cada vez mayor de géneros y manifestaciones de arte, como el arte digital, la performance, el arte conceptual, el arte ambiental, el arte electrónico, etc.
Estilo
El término "estilo" es bastante amplio y puede referirse a muchas cosas diferentes en el arte. El término "estilo" puede referirse a la metodología utilizada para crear una obra de arte. Por ejemplo, el puntillismo es un método para pintar con pequeños puntos de color que permiten que los colores se mezclen dentro del ojo del espectador. El estilo puede referirse a la filosofía fundamental que sustenta la obra de arte, como la filosofía de "arte para el pueblo" que sustenta el movimiento de arte y artesanía. El término "estilo" también puede referirse a la forma de expresión utilizada por el artista o la apariencia que tienen las obras de arte. Por ejemplo, la pintura metafísica tiende a ser de arquitectura clásica, con perspectivas distorsionadas y objetos incongruentes alrededor del espacio de la imagen y ausencia de personas.
Escuela
Una escuela es un grupo de artistas que tienen los mismos objetivos, profesores y estilos. Normalmente están conectados an una sola ubicación. Como ejemplo:
En el siglo XVI, la escuela de pintura veneciana tuvo la capacidad de distinguirse de otras escuelas europeas (como la florentina). La escuela de Padua (con artistas como Mantegna) y la introducción de técnicas de pintura al óleo de la escuela holandesa (van Eycks) contribuyeron al desarrollo de la pintura veneciana. La riqueza de los colores utilizados en la obra de artistas venecianos como la familia Bellini, Giorgione y Tiziano se caracteriza por un enfoque pictórico (la forma está dictada por variaciones de colores más que por el uso de líneas). En contraste, la escuela florentina (que incluye an artistas como Fra Angelico, Botticelli, Leonardo da Vinci, Miguel Ángel y Rafael) se caracterizó por una fuerte preocupación por la línea y el dibujo.
Desde la Edad Media hasta el siglo XVIII, las escuelas de arte suelen recibir el nombre de la región o ciudad en torno a la que se basan. El sistema de aprendices que ayudó a los nuevos artistas a aprender el oficio aseguró que los estilos de arte continuaran de maestro a aprendiz. Un grupo reducido de artistas que compartían ideas similares se conoce como los Nabis. Entre ellos se encontraban Paul Sérusier y Pierre Bonnard, quienes compartieron sus obras en una exposición conjunta entre 1891 y 1900 (Nabi es la palabra hebrea que significa profeta). como la Hermandad Prerrafaelita de Inglaterra. El grupo comenzó a mantenerse en secreto unos cuarenta años antes.
Movimiento
El grupo se reunía regularmente para discutir su filosofía del arte, centrándose en unas pocas áreas clave: la implicación social de su trabajo, la necesidad de una síntesis en el arte que permitiera "arte para el pueblo", la importancia de la ciencia (óptica, color y nuevos pigmentos), y las posibilidades creadas por el misticismo y el simbolismo. Otros artistas, especialmente Édouard Vuillard, se unieron al grupo después de la publicación de su manifiesto escrito por el teórico Maurice Denis a principios del siglo XX y su primera exposición en 1891. La escuela comenzó a disolverse después de su última exposición combinada en 1899.
¿Cómo puedo diferenciar entre una escuela y un movimiento?
Las escuelas son generalmente grupos de artistas que se han unido para compartir una visión. En 1848, siete artistas se unieron para establecer una escuela de arte llamada Hermandad Prerrafaelita.
La Hermandad permaneció unida como un grupo durante unos pocos años, pero sus líderes, William Holman Hunt, John Everett Millais y Dante Gabriel Rossetti, tomaron diferentes caminos. No obstante, muchos pintores, como Ford Madox Brown y Edward Burne-Jones, fueron influenciados por sus ideales y se les conoce como prerrafaelitas, un movimiento artístico que carece de "hermandad".
¿De dónde vienen los nombres de los movimientos y las escuelas?
Las escuelas y los movimientos pueden tener nombres de varias fuentes. Ser seleccionado por los propios artistas o por un crítico de arte que describa su trabajo son los dos más comunes. Como ejemplo:
En alemán, Dada es una palabra sin significado, pero en francés y rumano significa caballo de batalla. En 1916, un grupo de jóvenes artistas en Zurich, incluyendo a Jean Arp y Marcel Janco, lo adoptaron. Cada uno de los artistas involucrados cuenta su propia historia sobre quién inventó el nombre, pero la persona que más creo es Tristan Tzara, el 6 de febrero, en un café con Jean Arp y su familia. El dadaísmo se desarrolló en todo el mundo, incluso en lugares tan lejanos como Zurich, Nueva York, Hanova, Kirt Schwitters y Berlín.
Louis Vauxcelles, un crítico de arte francés, acuñó el fauvismo durante una exposición en el Salón de Otoño de 1905. Se puede observar una escultura de Albert Marque que es bastante clásica, rodeada de pinturas con colores vibrantes y atrevidos, con un estilo tosco y espontáneo que incluye obras de Henri Matisse, André Derain y otros. La obra exclamó "Donatello parmi les fauves" ("Donatello entre las fieras"). Se quedó con el nombre de Les Fauves (bestias salvajes).
Wyndham Lewis inició el vorticismo, un movimiento artístico británico similar al cubismo y al futurismo, en 1912. Lewis y el poeta estadounidense Ezra Pound, quienes vivían en Inglaterra en ese momento, fundaron una publicación llamada Blast: Review of the Great British Vortex, que dio como nombre al movimiento.
Estilos de pintura principales
Las innovaciones estuvieron influenciadas por los avances tecnológicos, como la invención del tubo de pintura metálico y el desarrollo de la fotografía, así como los cambios en las convenciones sociales, políticas y filosóficas, así como los eventos mundiales.
En esta lista se enumeran siete estilos de arte principales, algunos de los cuales se conocen como "escuelas" o "movimientos", y algunos son mucho más realistas que otros. Aunque no perteneces al movimiento original, que era el grupo de artistas que generalmente compartían el mismo estilo de pintura e ideas durante un momento específico de la historia, aún puedes usar los estilos que usaron al pintar. Puede comenzar a desarrollar y nutrir su propio estilo al aprender sobre estos estilos y ver lo que crearon los artistas que trabajaron en ellos y luego experimentar con diferentes enfoques.
Realismo
Muchas personas consideran el realismo como el estilo de pintura "verdadero arte" cuando el tema de la pintura se parece mucho a lo real en lugar de estar estilizado o abstracto. Se revelan como una serie de pinceladas de muchos colores y valores cuando se examinan de cerca los colores sólidos.
Desde el Renacimiento, el realismo ha sido el estilo de pintura predominante. El artista crea una ilusión de espacio y profundidad utilizando la perspectiva, configurando la composición y la iluminación para que el sujeto parezca real. La obra maestra de Leonardo da Vinci, la "Mona Lisa", es un ejemplo icónico de este estilo.
Pictórico
Cuando la Revolución Industrial arrasó Europa en la primera mitad del siglo XIX, apareció el estilo pictórico. Los pintores pudieron salir del estudio gracias a la invención del tubo de pintura metálico. Los temas se representaron de manera realista, pero los pintores no intentaron ocultar su trabajo técnico.
El énfasis está en el acto de pintar: el carácter de la pincelada y los pigmentos mismos, como sugiere su nombre. Los artistas de este estilo no intentan ocultar lo que se usó para pintar suavizando la textura o las marcas que quedaron en la pintura con un pincel u otra herramienta, como una espátula. Las obras de arte de Henri Matisse ofrecen excelentes ejemplos de este estilo.
Impresionismo
En Europa, el impresionismo surgió en la década de 1880, cuando artistas como Claude Monet intentaron captar la luz con gestos e ilusiones en lugar del detalle del realismo. No es necesario acercarse demasiado a los nenúfares de Monet o a los girasoles de Vincent Van Gogh para ver las atrevidas pinceladas de color, pero no hay duda de lo que estás mirando.
A pesar de que los objetos mantienen su apariencia realista, tienen una vitalidad que es única en este estilo. Es difícil creer que la mayoría de los críticos odiaron y ridiculizaron las obras de los impresionistas cuando las presentaron por primera vez. Hoy en día, el estilo de pintura tosco e inacabado es venerado y querido.
Expresionismo y fauvismo
El expresionismo y el fauvismo, estilos similares, comenzaron an aparecer en estudios y galerías a principios del siglo XX. Ambos se distinguen por el uso de colores fuertes y poco realistas, elegidos no para representar la vida tal como es, sino como la siente o cree el artista.
Algunas cosas distinguen a los dos estilos. Los expresionistas, como Edvard Munch, buscaron transmitir lo grotesco y el horror en la vida cotidiana, a menudo con pinceladas hiperestilizadas e imágenes terribles, como las que utilizó con gran efecto en su pintura "El grito".
A pesar de su uso novedoso del color, los fauvistas buscaron crear composiciones que representaran la vida en una naturaleza idealizada o exótica. Considere las figuras de bailarines retozando creadas por Henri Matisse o las escenas pastorales creadas por George Braque.
Abstracción
La pintura se volvió menos realista durante las primeras décadas del siglo XX en Europa y América. La abstracción se define como la representación del artista de la esencia de un tema en lugar de los detalles visibles. Un pintor puede limitar el tema a sus colores, formas o patrones predominantes, como hizo Pablo Picasso con su famoso mural de tres músicos. No hay duda de quiénes son los artistas, aunque no parecen reales en lo más mínimo. O como lo hizo Kandisky.
O un artista podría sacar el tema de su contexto o ampliarlo, como hizo Georgia O'Keeffe en su obra. Despojadas de sus finos detalles y flotando sobre fondos abstractos, sus flores y conchas pueden parecerse a paisajes de ensueño.
Abstracto
Como gran parte del movimiento expresionista abstracto de la década de 1950, el trabajo puramente abstracto evita el realismo y se deleita con el abrazo de lo subjetivo. El tema o punto de la pintura son los colores utilizados, las texturas de la obra y los materiales utilizados.
Las pinturas de goteo de Jackson Pollock pueden parecer una catástrofe para algunos, pero murales como "Number 1 (Lavender Mist)" mantienen el interés por su dinámica y cinética. Otros artistas abstractos, como Mark Rothko, reducieron el tema a los colores propios. Su obra maestra de color de 1961 "Naranja, rojo y amarillo" son solo eso: tres bloques de color que puedes perderte.
Fotorrealismo
Como reacción al expresionismo abstracto que había dominado el arte desde los años 1940, el fotorrealismo surgió a finales de los años 1960 y 1970. Este estilo con frecuencia parece más real que la realidad, donde ningún detalle se omite y ningún defecto es menor. Más común para retratar otro arte la escultura.
Algunos artistas proyectan fotografías sobre un lienzo para capturar detalles específicos. Otros lo realizan a mano alzada o utilizan un sistema de cuadrícula para ampliar una impresión o fotografía. Chuck Close es uno de los artistas fotorrealistas más famosos, cuyas fotografías del tamaño de un mural de otros artistas y celebridades se basan en instantáneas.
Citas de Arte
Hay muchas definiciones diferentes del arte como personas en el universo, y cada una de esas definiciones está influenciada por el punto de vista único de cada persona, así como por su propia personalidad y personalidad. Como ejemplo:
Pablo Picasso
El propósito del arte es lavar el polvo de la vida diaria de nuestras almas.
Rene Magritte
El arte evoca el misterio sin el cual el mundo no existiría.
Edgar Degas
El arte no es lo que ves, sino lo que haces ver a los demás
Leo Tolstoy
El arte es una actividad humana que consiste en que un hombre transmite conscientemente, mediante ciertos signos externos, a otros los sentimientos que ha vivido, y que otros se contagian de estos sentimientos y también los experimentan.
Frank Lloyd Wright
El arte es el descubrimiento y desarrollo de principios elementales de la naturaleza en formas hermosas y adecuadas para el uso humano.
Thomas Merton
El arte nos permite encontrarnos y perdernos al mismo tiempo.
Lucio Anneo Séneca
Todo arte no es más que una imitación de la naturaleza.
Juan Sibelius
El arte es la firma de las civilizaciones.
Conclusión en El Arte: Definición, Estilos, Escuelas y Movimientos
En la actualidad, se considera arte los primeros grabados simbólicos creados por la humanidad. Chip Walter de National Geographic comenta que la belleza de estas pinturas antiguas cambia su percepción del tiempo. Estás en un momento anclado en el presente y observas con frialdad. La siguiente cosa que ves son las pinturas, como si todo el resto del arte (toda la civilización) aún no hubiera existido. Es obvio que crear una forma simple que represente algo más (un símbolo, creado por una mente, que otras puedan compartir). solo después de que suceda el evento. Estas primeras expresiones concretas de conciencia, incluso más que el arte rupestre, representan un salto desde nuestro pasado animal hacia lo que somos hoy: una especie inundada de símbolos, desde las señales que guían tu progreso por la carretera hasta los íconos en tu iPhone.
Según el arqueólogo Nicholas Conard, quienes crearon estas imágenes "poseían mentes tan completamente modernas como la nuestra y, como nosotros, buscaban respuestas a los misterios de la vida en los rituales y los mitos, especialmente frente an un mundo incierto". ¿Quién controla la migración de los animales, planta árboles, da forma a la luna y ilumina las estrellas? ¿Por qué debemos fallecer y hacia dónde vamos? Querían respuestas, pero no tenían una explicación científica del mundo que los rodeaba.
El arte puede ser visto como una representación de lo que significa ser humano, expresado en forma tangible para que otros lo vean e interpreten. Puede representar algo real o un pensamiento, emoción, sentimiento o idea. Puede transmitir todo el espectro de la experiencia humana a través de medios pacíficos. Tal vez por eso sea tan significativo.
Servicios Profesionales
En JMC Studio somos una Agencia multidisciplinaria con gran talento creativo, desarrollamos todo tipo de proyectos puede revisar todos nuestros servicios de artes aquí. y nuestros servicios de consultoría aquí. Estaremos felices de crear cosas maravillosas juntos
Fuente: Archivos de Dominio Público, ThoughtCo, Getty Images, Obras Originales. Graham, Gordon, Filosofía de las artes, Introducción a la estética, tercera edición, Routledge, Taylor and Francis Group. Janson, HW, Historia del Arte, Harry Abrams, Inc. Nueva York, 1974. Walter, Chip, Primeros artistas, National Geographic . Enero de 2015.
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